Le 10 migliori band rock di sempre

Quando si affronta un progetto audace, sfuggente e irto di pericoli diagnostici come “i 10 migliori gruppi rock mai,”Si può rannicchiarsi in attesa del monsone di disaccordi sicuri di venire e caricare il pacco con ogni sorta di equivoco sdolcinato, o si può avanzare beatamente sicuri nella giustizia universale del proprio giudizio. Essendo americano, scelgo quest’ultimo.

1. I Beatles

I Beatles sono indiscutibilmente la migliore e più importante band nella storia del rock, così come la storia più avvincente. Quasi miracolosamente, hanno incarnato l’apice della forma artisticamente, commercialmente, culturalmente e spiritualmente al momento giusto, i tumultuosi anni ’60, quando la musica aveva il potere di cambiare letteralmente il mondo (o almeno di dare l’impressione che potesse, che potrebbe essere la stessa cosa). I Beatles sono l’archetipo: non esiste un termine nella lingua analogo a “Beatlemania”.

Tre ragazzi di Liverpool – John Lennon, Paul McCartney e George Harrison – si unirono in un momento di grande fluidità culturale nel 1960 (con i bit player Stu Sutcliffe e Pete Best), assorbendo e ricapitolando il rock americano e la storia pop britannica fino a quel punto, indurito in un’unità affilatissima che suonava cinque set di anfetamine per una notte nella dura città portuale di Amburgo, in Germania, tornò a Liverpool, trovò il loro manager ideale in Brian Epstein e il produttore ideale in George Martin, aggiunse l’ultimo pezzo di il puzzle quando Ringo Starr ha sostituito Best alla batteria, e ha pubblicato il loro primo singolo nel Regno Unito, “Love Me Do / PS Ti amo “, tutti per l’ottobre del 1962.

Il loro secondo singolo, “Please Please Me”, seguito dai top-chart britannici “From Me to You”, “She Loves You”, “Voglio tenermi la mano”, “Can not Buy Me Love” (tutto Lennon / Gli originali di McCartney), e l’immagine piacevole, l’ingegno e il fascino del gruppo hanno solidificato la presa delirante dei Fab Four sulla loro terra natale nel 1963.

Ma è stato quando il gruppo è arrivato negli Stati Uniti nel febbraio 1964 che la piena estensione di Beatlemania si è manifestata. La loro esibizione in cinque canzoni all’Id Sullivan il 9 febbraio è uno degli eventi di massa dei mass media dei 20^esimo secolo. All’epoca avevo cinque anni – i miei genitori mi hanno detto di averlo visto con loro, ma sinceramente non ricordo. Ricordo, però, che le ragazze della porta accanto, quattro e sei anni più vecchie di me, capovolsero quell’aspetto e poco dopo mi trascinarono nella loro follia vertiginosa. Ho amato “I want to hold your hand”, il primo n ° 1 dei Beatles negli Stati Uniti (ne avevano altri 19, ancora il disco), più di ogni altra canzone che abbia mai ascoltato, o quasi sicuramente ascolterà, con un’intensità consumante che ora posso toccare solo come memoria.

I Beatles hanno generato un’intensità di gioia che ha schiaffeggiato decine di milioni di persone con la consapevolezza che la felicità e l’esuberanza non erano solo possibili, ma in loro presenza, inevitabili. Hanno generato un’energia che è stata amplificata un milione di volte e restituita a loro in un assordante maremoto di isteria riconoscente.

Un parziale risultato di quell’isteria assordante fu che la band divenne frustrata con i loro concerti e smise di esibirsi dal vivo dopo uno show di San Francisco il 29 agosto 1966. Eppure anche questa frustrazione portò frutto, come i quattro musicisti, aiutati quasi incalcolabilmente dal produttore Martin, trasformato le loro energie creative nello studio di registrazione, producendo album sempre più sofisticati e realizzati “Rubber Soul” (1965, “Drive My Car”, “Norwegian Wood”, “Non mi vedrai”, “Nowhere Man”, “Michelle “),” Revolver “(1966,” Taxman “di Harrison,” Eleanor Rigby “,” Qui, là e dappertutto “,” Sottomarino giallo “,” Buon giorno Sunshine “,” E il tuo uccello può cantare “), il maestoso e epocale “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band “(1967, title track,” Con un po ‘di aiuto dai miei amici “,” Lucy In the Sky With Diamonds “,” Quando ho sessantaquattro “,” Un giorno nella vita “).

Sebbene la forza centrifuga cominciò a farsi sentire, riuscirono comunque a produrre altri tre capolavori dell’album, il doppio album “The Beatles” (1968, alias “The White Album”, con “Back In the USSR”, “Dear Prudence,” ” Ob-La-Di Ob-La-Da, “Harrison’s” mentre la mia chitarra piange delicatamente, “” Blackbird “,” Compleanno “,” Helter Skelter “),” Let It Be “(registrato all’inizio del 1969 ma non pubblicato fino al 1970 , con la title track, “Two Of Us”, “Across the Universe”, “I’ve Got a Feeling”, “The Long and Winding Road” e “Get Back”), e il climax adatto “Abbey Road” ( 1969, “Here Comes the Sun” di Harrison e “Something”, “Octopus’s Garden” di Ringo, “Come Together”, “Silver Hammer di Maxwell”, “I Want You”, “She Came In Through the Bathroom Window”).

Fecero un’incredibile promessa e invece di ritirarsi da quella promessa che consegnarono e consegnarono e consegnarono per otto anni fino a quando le piene implicazioni della promessa finalmente li colpirono: stavano fissando le fauci di un’insaziabile, famelica bestia che non era meno bestiale perché sorrideva e salutava e dava loro dei soldi. I Beatles alla fine subirono l’incapacità collettiva di fingere che la bestia non fosse una bestia e nel 1970 si separarono e tornarono ad essere umani.

Beatlemania redux

Una piccola ma significativa fetta della magia dei Beatles risale al 1986 con l’uscita del classico film di John Hughes “Ferris Bueller’s Day Off”, in cui il personaggio di Matthew Broderick incide il classico dei Beatles “Twist and Shout” (ironicamente, una canzone che non hanno scritto) dalla cima di un galleggiante in una parata del centro di Chicago.

John Lennon cantava “Twist and Shout” come se le parole fossero un veleno corrosivo gioioso, che la sua unica speranza di sopravvivenza era di espellerle con tutta la veemenza che il suo corpo con il ritmo poteva radunare, e così fa Ferris nella scena. Le risposte di Paul e George combaciavano con lo zelo di John alla fine di ogni stanza con i loro deliranti “Oooh”. Si stavano divertendo così tanto che questa canzone sembrava la cosa più importante della loro vita in quel momento. I Beatles conoscevano le grandi responsabilità del piacere.

Le labbra di Ferris lussureggianti, le fragole sul galleggiante fluttuano e si agitano e rimbalzano via da Ferris come elettroni, le migliaia nella folla cantano dalle fosse dei loro pelvi. Chicago si confonde in uno, ricreando l’incredibile impresa dei Beatles di una follia di massa unificante che ha cambiato la vita delle persone per un po ‘.

Quando ho visto il film nel teatro nell’86, la gente in effetti si è alzata in piedi e ha ballato nei corridoi. Come potrebbero non? Il segmento “Twist and Shout” è stato il momento musicale più eccitante e gioioso di un film dai tempi dei Beatles “A Hard Day’s Night” (1964), ed è stato l’apice perfetto per gli exploit cinematografici di Ferris Bueller.

Il pubblico era così malinconico per Beatlemania che “Twist and Shout” è tornato in classifica per 15 settimane quell’anno, un breve ma dolce promemoria della cosa reale.

2. I Rolling Stones

Quando i Beatles cessarono di esistere nel 1970, il titolo di “World’s Greatest Rock ‘n’ Roll Band” cadde con pochissima disputa sui Rolling Stones, che a quel punto si trovavano nel bel mezzo di un così straordinario picco creativo che avrebbero potuto sfidare i Fab Four per il titolo comunque. È un titolo che gli “anti-Beatles” di una volta non hanno mai ceduto. Non solo gli Stones sono stati la più grande rock band al mondo per più di 30 anni, ma sono stati un gruppo di rock’n’roll funzionante per più di 40 anni, la corsa più lunga della storia.

Gli amici della giovinezza Mick Jagger e Keith Richards, insieme al chitarrista Brian Jones e al pianista Ian Stewart, formarono la prima versione dei Rollin ‘Stones nel 1962, e con la sezione ritmica di Charlie Watts alla batteria e Bill Wyman al basso presto a bordo, lo stavano strappando in una residenza di otto mesi al Crawdaddy Club di Londra poco dopo. Un giovane e ambizioso Andrew Loog Oldham li ha visti lì: 

“Li ho visti il ​​23 aprile 1963 e poi sapevo per cosa mi stavo allenando”, ha detto in un’intervista telefonica dalla sua casa in Colombia. “La cosa principale che avevano era la passione, che li ha serviti fino ad oggi”, ha continuato Oldham. Il primo atto di Oldham come manager è stato quello di declassare la Stewart sfacciata dal live act della band per non mantenere la sua immagine di una pietra snella, meschina e sexy (Stewart era il road manager della band e registrato con loro fino alla sua morte nel 1985).

All’epoca i Rollin ‘Stones (chiamati per la canzone Muddy Waters, Oldham aggiunto “g”) erano una cover band R & B, ma la loro corsa al Crawdaddy aveva suscitato molta attenzione, e con i Beatles che salivano nessuno volevo perdere la prossima grande cosa. Oldham li ha rapidamente portati a Decca Records, che era ancora furbo dopo aver rifiutato i Beatles.

Nel giugno del ’63 il primo singolo degli Stones, una cover di “Come On” di Chuck Berry andò al n. 21 nel Regno Unito. Il seguito di novembre fu una cover del temuto “I Wanna Be Your Man” dei Beatles, che salì al Regno Unito n. 12. Nel febbraio del ’64 raggiunsero la Top 10 del Regno Unito con “Not Fade Away” di Buddy Holly, “Che ha anche incrinato la Top 50 negli Stati Uniti – i cattivi ragazzi stavano arrivando.

Oldham ha rotto con la band in mezzo alla follia e alla frenesia dei media nel 1967, ma lui e la band hanno generato una musica incredibile durante i due anni tra il seducente “Satisfaction”, considerato da molti la più grande canzone rock mai uscita a maggio 1965 e la compilation “Flowers” piena di successo, pubblicata nel luglio del ’67. Incluso il narcisismo incredibilmente auto-consapevole di “Get Off Of My Cloud”, la gentilezza della musica da camera e la vulnerabilità di “As Tears Go By”, confusa modernità urbana di “19^esimo Esaurimento nervoso”; e il primo album classico degli Stones, “Aftermath”, con la canzonatoria canzone di scherno e empatica “Mother’s Little Helper”, profondamente groovy e misogina “Under My Thumb” e “Out Of Time”, adorabile “Lady Jane” ed esotica , roiling “Paint It Black”.

Poi è arrivato il classico degli Stones tra gli anni ’60 / primi anni ’70 tra “Beggar’s Banquet” e “Exile On Main Street”, forse la corsa più produttiva nella storia del rock, quando gli Stones hanno trasformato un’alchimia ineguagliabile del rock ‘n’ roll , blues e country in qualcosa di oscuro, pericoloso e duraturo.

I busti del 1967 sembravano spingere Jagger e Richards a un altro livello creativo, ma Brian Jones appariva picchiato e affondava velocemente. Era assente dal diabolico singolo “Jumping Jack Flash” che faceva il buffetto. Ha lavorato a malapena sull’eccezionale e blues “Beggar’s Banquet” del 1968 (seducente, percussivo e pungente “Sympathy For the Devil”, “Stray Cat Blues”, “Stray Cat Blues”), uscito fuori dal gruppo da Giugno ’69, e morto sul fondo della sua piscina meno di un mese dopo.

Il giovane Mick Taylor si unì al ruolo di sostituto di Jones, ei suoi pieni poteri blues furono il perfetto contraltare per il lavoro ritmico di Richards e il suono e le immagini divennero sempre più oscuri su “Let it Bleed” (l’apocalisse di sesso e morte “Gimme Shelter, “l’angosciato blues di Robert Johnson” Love In Vain “, il misterioso” Monkey Man “, il cupo cameratismo della title track, potente e micidiale” Midnight Rambler “e la coda obliqua ed edificante” You Can not Always Get What You Volere”).

La danza della band con il diavolo ha dato un frutto amaro quando hanno suonato in un concerto gratuito ad Altamont Speedway al di fuori di San Francisco il 6 dicembre 1969 (solo tre mesi dopo Woodstock) dove un fan è stato pugnalato a morte in vista del palco da Hell’s Angels ( tutto il montaggio male juju è stato catturato per i posteri nel film “Gimme Shelter”).

“Get Yer Ya-Ya’s Out” (1970), uno dei più soddisfacenti album di rock dal vivo di sempre, incentrato sui loro successi del ’68 -’69, tra cui un esteso e definitivo “Midnight Rambler”, e mostrava come Mick Taylor fosse diventato parte integrante al ruggente suono dal vivo degli Stones.

La prima uscita della band sui loro Rolling Stones Records è stata la “Sticky Fingers” (1971), goffa, sfibrante e brillante, con la famigerata cover con cerniera da lavoro di Andy Warhol. Taylor scintillò di nuovo e il songwriting di Jagger / Richards continuò al più alto livello: spavaldo “Brown Sugar”, lamentoso “Wild Horses”, groove jazz “Can not You Hear Me Knocking”, “corno di corno” Bitch, “agghiacciante” Sorella Morphine “E ha contrapposto” Dead Flowers “.

Gli Stones sono stati una band diversa da allora: Mick Taylor ha lasciato nel 1974, sostituito dal coraggioso Ronnie Wood. Hanno pubblicato un paio di grandi album: “Some Girls” (1978), la loro aspra risposta alle sfide della disco e del punk (“Miss You”, “Some Girls”, “Respectable”, “Beast of Burden”, “Shattered” ), e “Tattoo You” (1981, il loro album top-chart di sempre – nove settimane al n ° 1) con Standouts Up, “Hang Fire” e “Waiting On a Friend”. Hanno anche rilasciato molto di album semplicemente buoni: gli anni ’70 erano migliori degli anni ’80, che erano migliori degli anni ’90.

Ma hanno continuato a fare il soldato, facendo pause ma concentrandosi sempre di più sulla musica dal vivo, diventando particolarmente rinvigoriti con l’album “Steel Wheels” e il tour mondiale del 1989. Ho visto quel tour a Los Angeles e gli Stones sono venuti con un’aria di fiduciosa sicurezza. Tutti gli elementi hanno fatto clic: le chitarre sono state tagliate e tagliate, la sezione ritmica è stata bloccata e l’ha cavalcata, le canzoni erano un perfetto mix di vecchio e nuovo, la band era abbondantemente entusiasta.

Jagger non ha esibito una goccia di atteggiamento di Cool Star: ha lavorato, parlato, cantato con energia e attenzione ai dettagli. Era ovviamente felice di essere nuovamente apprezzato. Il gioioso sollievo collettivo dello stadio ha incoraggiato Jagger alla vulnerabilità infantile:

“Ti piacciono le nuove canzoni?” Quasi implorò la folla.

“Li adoriamo, Mick!”

“Ti vogliamo bene!”

“Yeahh!”

Forse a Mick è stata ricordata la sua citazione degli anni ’70, “A volte preferisco essere sul palco, a volte preferisco l’orgasmo.” Quella notte, sono abbastanza sicuro che il palco ha vinto.

Negli anni ’90, la band ha preso uno strabiliante $ 750 milioni da tre tour. Quando li ho visti in diretta da Madison Square Garden su HBO all’inizio dell’anno scorso, i miei occhi hanno confermato che questi ragazzi magri e macilenti hanno circa 60 anni, ma quando le telecamere si sono ritirate per 30 anni si sono sciolte e la magia era reale e aumentava di intensità la notte passò.

Che spettacolo fantastico! Gli Stones sono una band migliore dal vivo ora di quanto lo fossero negli anni ’70 quando le loro vite, i loro corpi e le loro menti erano un pantano di sesso, droghe e alcol. L’età li ha focalizzati, ma ha tolto molto poco della loro energia maniacale, e Keith Richards è ancora il più grande chitarrista ritmico che sia mai vissuto.

Lunga vita al rock ‘n’ roll – lunga vita ai Rolling Stones!

3. U2

Gli U2 irlandesi sono la band più importante e influente dell’era post-punk, che unisce il rock alla chitarra, l’indipendenza punk, la spiritualità celtica, le tecniche di produzione innovative e lo sperimentalismo elettronico – tutti tenuti insieme dalla visione trascendente e dal carisma del cantante / paroliere Bono.

U2 – Bono (Paul Hewson), il chitarrista Edge (Dave Evans), il bassista Adam Clayton e il batterista Larry Mullen – si sono formati a Dublino nel 1976 come cover band dei Beatles and Stones mentre i giocatori erano ancora al liceo. Nel 1980 furono firmati con Island Records e pubblicarono il loro spettacolare primo album, “Boy”, prodotto da Steve Lillywhite.

In preparazione per “The Unforgettable Fire” del 1984, il produttore Brian Eno ha avuto una lunga conversazione con Bono, come ha poi dichiarato a Q Magazine. “Ho detto, ‘Senti, se lavoro con te, voglio cambiare molte cose che fai, perché non sono interessato ai dischi come documento di una rock band che suona sul palco, sono più interessato alla pittura immagini. Voglio creare un paesaggio in cui questa musica possa accadere “. E Bono ha detto:” Esattamente, questo è ciò che vogliamo anche noi “.

I risultati di questo fatidico cambio di direzione furono le produzioni Eno degli standard U2 “The Unforgettable Fire” (incluso “Bad”, “Pride In the Name of Love”); Album dell’anno per il Grammy del 1987, il personale e universale “The Joshua Tree”, che ha reso la band superstar (con “Where the Streets Have No Name”, “Non ho ancora trovato quello che sto cercando”, “With O Without You “e” One Tree Hill “); “Achtung Baby” del 1991, un movimento brillante ed emotivamente oscuro verso l’elettronica (“Ancora meglio della realtà”, “Uno”, “Fino alla fine del mondo”, “Chi cavalca i tuoi cavalli selvaggi” e “Modi misteriosi” ); e “Zooropa”, ancora più profondo nella musica e nell’elettronica dell’Euro-dance (’93, con la title track, “Numb”, “Lemon”, “Stay”). Wow, che viaggio.

Gli U2 erano la rock band principale degli anni ’80 perché i suoi membri, come forse solo Bruce Springsteen negli Stati Uniti, credevano ancora che il rock and roll potesse salvare il mondo, e avevano il talento per far sì che la nozione non sembrasse irrimediabilmente ingenua.

La serietà e la volontà di assumersi le responsabilità più pesanti hanno portato a livelli altissimi di successi e crescenti esigenze psichiche e artistiche che alla fine hanno portato la band ad adottare l’ironia come mezzo di espressione fondamentale per un periodo negli anni ’90.

Tutte le band vogliono essere cool, e negli anni ’80 gli U2 quasi da soli hanno fatto serietà, ma è stato un lavoro duro e inarrestabile. Dopo le chiassose e chiassose chitarre e idealismo degli anni ’80, gli anni ’90 videro il freddo diafano dell’elettronica e dell’ironia, che era letteralmente e metaforicamente cool, ma in definitiva non è ciò di cui parla la band.

“All That You Can not Leave Behind” (’00) è tornato a ciò che la band è circa, ed è il seguito sonico e spirituale del “The Joshua Tree”, l’album più idealistico, spirituale e melodicamente coerente della band.

I resti delle incursioni della band in elettronica condussero l’album (in particolare l’impressionistico “New York”), ma la chitarra di Edge tornò al centro della scena dove il suo stile unico e rocambolesco appartiene, anche se non ha mai messo in ombra le canzoni, ognuna delle quali è benedetta con una melodia memorabile.

Dopo l’uscita estatica del brano di apertura “Beautiful Day”, la seconda canzone “Stuck In a Moment You Can Not Get Out Of”, afferma una nozione apparentemente modesta, ma profondamente profonda, seria e idealistica:

“Sto solo cercando di trovare una melodia decente

Una canzone che posso cantare nella mia stessa compagnia “

L’hanno trovato e poi alcuni. Gli U2 sono ora una band matura, fiduciosa e ancora sorprendente che sa di non avere tutte le risposte, ma non ha paura di continuare a fare le domande giuste.

4. The Grateful Dead

Fuori sulla strada oggi / Ho visto un adesivo Deadhead su una Cadillac / Una vocina dentro la mia testa / Ho detto ‘non guardare indietro, non puoi mai guardare indietro’. Don Henley, “Ragazzi dell’estate”

Quando Henley scrisse “The Boys of Summer” nel 1984, vide l’adesivo sul lussuoso acciaio di Detroit come una contraddizione di valori: una collisione simbolica materia / antimateria che cancellò il significato di entrambi. Ma Henley non si rendeva conto che il suo simbolo di un passato morto era in realtà un simbolo molto potente del presente e del futuro.

La guerra del Vietnam era il perfetto polarizzatore tra la cultura giovanile e quella adulta: non aveva un obiettivo chiaro, era lontano, costava molte vite, ed era involontario – i vecchi prendevano le decisioni, i giovani morivano. Dopo che la guerra fu misericordiosamente uccisa a metà degli anni ’70, la nazione si rese conto di aver odiato la confusione interna più di quanto non avesse odiato il nemico esterno – il sangue è più spesso dell’ideologia.

I morti divennero il simbolo di questa fusione di ideologie fino alla morte di Jerry Garcia nel 1995: una macchina per fare soldi ben oliata ($ 50 milioni l’anno in entrate da concerto) che vendeva pace, amore e comprensione a una legione di ammiratori divisi internamente. The Dead ha esaurito ogni spettacolo perché un Dead Show era un luogo socialmente accettabile per prendere temporaneamente una pausa dalla corsa al successo e provare i valori hippie degli anni ’60 senza doverli vivere. Le persone che non facevano uso di droghe in qualsiasi altro momento si lasciavano andare a ballare come folletti sui morti e sui loro viaggi musicali leggeri, ritmati, piacevoli, a volte ispirati, estesi.

Su questo fronte musicale, “Very Best of the Grateful Dead” di Rhino è un’eccellente rappresentazione dell’eclettico mix di country, folk, rock psichedelico, R & B, jazz e ritmi afro-caraibici su classici come “Friend of the Devil”, ” Sugar Magnolia, “” Ripple “,” Truckin “,” Uncle John’s Band “,” Casey Jones “,” Franklin’s Tower “e il loro singolo” Touch of Grey “.

“Grateful Dead” (1971) è il mio live set preferito dalla band – rotola insieme a “Bertha”, “Mama Tried”, “Playing in the Band”, “Johnny B. Goode”, “Not Fade Away” e ” Goin ‘Down the Road Feeling Bad, “che mostra grande energia e versatilità.

Il successo di The Dead ha ispirato l’intero movimento della jam band, che porta avanti il ​​suo lignaggio musicale e culturale fino ad oggi.

5. Velvet Underground

Brian Eno ha detto che non molte persone hanno comprato gli album dei Velvet quando furono originariamente pubblicati, ma tutti quelli che formarono una band. Dopo aver coraggiosamente coronato i nemici gemelli dell’indifferenza e dell’ostilità aperta nel corso della sua vita, Velvet Underground è stata gradualmente accettata come una delle migliori e più importanti band nella storia del rock.

The Velvet Underground si formò nel 1964 quando il cantante / chitarrista / compositore Lou Reed e il polistrumentista gallese John Cale si incontrarono e decisero di formare una rock band (alla fine con Sterling Morrison al basso e chitarra e Maureen “Mo” Tucker alle percussioni), attingendo il loro reciproco interesse in R & B, il jazz free-form di Albert Ayler e Ornette Coleman e il minimalismo d’avanguardia di John Cage e La Monte Young.

La band ha cercato non solo di intrattenere, ma di sfidare, per dimostrare che il rock ‘n’ roll potrebbe essere di nuovo pericoloso. Essi gravitano verso Andy Warhol – che ha portato l’attrice / modella / cantante austriaca Nico nell’ovile – e sono diventati il ​​punto di riferimento nell’organizzazione multimediale di Warhol, nella Factory, e nella scena artistica bohémien del Village.

Dal vivo, i Velvets erano un bizzarro amalgama di vigorosi R & B, belle canzoni pop, prolungate jam noise sperimentali e l’arte performativa di Warhol’s Exploding Plastic Inevitable. La band originale è durata solo due album, “The Velvet Underground e Nico”, e “White Light, White Heat” (entrambi del 1967), il primo dei quali si trova tra i più grandi di tutti gli album rock.

“Waiting for the Man”, con un groove rock ventilato, segue un personaggio di Reed alla ricerca di droghe. Reed è quasi stordito dal disprezzo di se stesso in quanto il suo bisogno di droghe trascina il suo status sociale al di sotto di quello degli abitanti del ghetto, e questo sprezzante auto-disprezzo definisce lo status di Velvet come la prima band postmoderna e il progenitore dell’intero punk / new wave movimento.

“Heroin” prende l’avventura esterna di ottenere droghe nel regno interno e cattura la seduzione della dipendenza con un potere, una bellezza e una grazia che lo rendono ancora più terrificante. “Venus in Furs”, un esame senza battito di un rapporto S & M, trasmette una densità di buco quasi nero. “All Tomorrow ”s Parties” è il momento più bello di Nico, un imponente monumento acustico al glamour effimero, con il polso del terrore e la chitarra frenetica destabilizzante di Reed.

Nel disco ci sono anche altri due bei gioielli Reed, Nico cantato, “I’ll Be Your Mirror” e “Femme Fatale”, e la canzone più bella della carriera di Reed, il soprannaturale “Sunday Morning”, che cattura la speranza e rimpianto di una domenica nascente con soggezione e delicatezza.

I restanti tre album del gruppo hanno prodotto molte altre gemme in “Luce bianca, Calore bianco”, “Cosa succede”, “Cominciare a vedere la luce”, “Occhi azzurri pallidi”, “Dolce Jane” e “Rock and Roll” tutto questo e molto altro si può trovare nel cofanetto altamente raccomandato “Peel Slowly and See”.

6. Led Zeppelin

Nel corso di una carriera di 10 anni, con nove album dal 1969 al 1979, i Led Zeppelin erano il gruppo rock più popolare al mondo, vendendo oltre 50 milioni di dischi solo negli Stati Uniti (oltre 200 milioni in tutto il mondo), sviluppando il blues- basato sul potere trio-plus-cantante archetipo in molte direzioni tra cui mistico folk-rock inglese, exotica influenzata dal Medio Oriente, pop eccentrico e ogni sorta di pesantezza. Sono anche venuti a simboleggiare gli eccessi dionisiaci dello stile di vita rock.

La loro ubiquità sui classici formati di radio rock e gli eccessi di cui sopra hanno portato molti a liquidare la band come sopravvalutata e sintomatica del declino del rock ‘n’ roll negli anni ’70. La collezione di super valore “Early Days and Latter Days: Best of Vols. 1 e 2 “(due dischi) dimostrano che, semmai, il gruppo musicale la grandezza è ancora sottovalutata, a causa dei risentimenti menzionati in precedenza e del fatto che la band non ha avuto un maggiore impatto culturale – non hanno sopportato molto.

Erano entrambi sbagliati: “Led Zeppelin 1” (“Good Times Bad Times”, “Babe, I’m Gonna Leave You”, “Dazed and Confused”, “Communication Breakdown”), “Led Zeppelin 2” (“Whole Lotta Love, “” The Lemon Song “,” Hearbreaker “,” Living Loving Maid “,” Ramble On “) e” Led Zeppelin 4 “(aka” Zoso “, con” Black Dog “,” Rock and Roll “,” When The Levee Breaks, “” Stairway to Heaven “) sono tra i più grandi album del rock.

La voce di Plant raggiunse livelli di estasi squilibrata, abbinati forse solo a Little Richard su testi tipicamente trasudanti o sessuali o derivati ​​dal mito anglosassone e / o dall’occulto. Bonham (la cui morte accidentale nel 1980 ha rotto la band) ha martellato implacabilmente la sua batteria come un elefante agile che danza attraverso la casa. Il basso di Jones e le tastiere strategiche hanno unito gli elementi disparati. E Page, che ha fatto la maggior parte della scrittura e della produzione, ha suonato alcune delle più fondamentali e memorabili chitarre della storia del rock: dal crunch più pesante al più delicatissimo finger picking acustico.

Dimostrando la popolarità duratura della band, il set live dei due dvd della band “Led Zeppelin”, pubblicato lo scorso maggio, ha venduto più di 600.000 copie.

7. Ramones

I Ramones – Dee Dee (basso, voce), Joey (voce), Johnny (chitarra), Tommy (batteria, successivamente sostituito da Marky) – sono stati il La band punk americana, fonte inesauribile di rumore, energia, attitudine, umorismo e (a volte dimenticati) grandi canzoni, che hanno contribuito a reinventare il rock ‘n’ roll quando ne aveva più bisogno nella metà degli anni ’70.

Lavorando per Indie Sire Records a metà degli anni ’70, il produttore / talent scout Craig Leon è stato coinvolto nella scena musicale underground di New York. Una notte d’estate del 1975 andò al CBGB e vide due gruppi, i Talking Heads ei Ramones.

“Sono andato a quello show e c’erano letteralmente quattro persone nel pubblico oltre a me, ma le band erano fenomenali”, ha detto Leon. “Un sacco di gente non pensava nemmeno che i Ramones potessero fare un disco. Ci sono state settimane di pre-produzione su un livello molto semplice: come quando sono iniziate le canzoni e quando sono finite. I loro primi set erano una lunga canzone fino a quando non hanno funzionato a lungo o hanno combattuto. Potresti vederlo come una cosa da spettacolo di tipo artistico, in cui hai una capsula concisa di 17 minuti su tutto ciò che avresti mai saputo del rock ‘n’ roll, oppure potresti vederlo come 22 piccole canzoni “, ha detto. Sono andati per le canzoni.

Il primo album dei Ramones (1976) è un’icona minimalista ruggente – il primo vero disco punk americano. Strati e strati di gonfiore e splendore accumulati sono stati strappati via per rivelare il rock ‘n’ roll nella sua forma più basilare e vitale in canzoni come “Blitzkreig Bop”, “Beat On the Brat” e “Let’s Dance”. Il suono dei Ramones era fiammeggiante musica surf degli anni ’60 suonata attraverso la distorta distorsione di Blue Cheer e Black Sabbath. Eppure, secondo Leon, i Ramones si consideravano una band pop. “Nella nostra ingenuità, pensavamo che sarebbero stati più grandi dei Beatles. Si erano persino dati il ​​nome del primo nome di Paul McCartney, “Paul Ramone”, “ha detto Leon.

Mentre la maggior parte concorda sul sorprendente primo album dei Ramones – che taglia la competizione come un 747 in un concorso aereo di carta – è il loro album più importante, non è il mio preferito. Il mio preferito è uno dei più eccentrici della band, “End of the Century” – prodotto dall’enigmatica icona pop (e ora sospettato di omicidio) Phil Spector – e l’album che ha riconosciuto esplicitamente qualcosa come “pop punk” per la prima volta.

Registrato nel 1979, l’album rese esplicita la connessione tra il pop-rock degli anni ’60 e la psiche della band punk, e resiste sia al classico Ramones che allo Spector – Le idiosincrasie di Spector non travolgono mai il ruggito di “Chinese Rock” o “Rock” ‘N’ Roll High School, “e lo Spectorish” Do You Remember Rock ‘N’ Roll Radio “rollicks con il giusto tocco retrò. Il remake della band di “Baby I Love You” di Ronette è tanto toccante quanto divertente e getta una luce completamente nuova sulla cantante Joey Ramone (che è morta nel 2002 dopo un lungo periodo di cancro – certo che mi manchi quel ragazzo).

Il set di due CD “Hey! Ho! Let’s Go “è una spettacolare panoramica della band, con tutte le canzoni sopra elencate (ad eccezione di” Baby I Love You “) più” California Sun “,” Sheena Is a Punk Rocker “,” Cretin Hop “,” Rockaway Beach “, “Lobotomia adolescenziale”, “I Wanna Be Sedated”, “She’s the One”, “She’s a Sensation”, “We Want the Airwaves” e molti, molti altri.

8. Pink Floyd

Pink Floyd è la band multi-platino più eccentrica e sperimentale dell’era rock degli album, creando eccezionali sculture cinematografiche “Meddle”, “Dark Side of the Moon”, “Wish You Were Here” e l’apice popolare della band e la morte concettuale knell, “The Wall”.

A partire dalla metà degli anni ’60 come gruppo hard rock basato sull’R & B, la band (dal nome degli azzurri piemontesi Pink Anderson e Floyd Council) – Syd Barrett alla chitarra e alla voce, Roger Waters al basso e alla voce, Richard Wright alle tastiere, e Nick Mason alla batteria – mutato rapidamente in una strana combinazione di tweed psichedelia britannica (“Vedi Emily Play”, “Arnold Layne”) e rock spaziale strumentale di lunga durata (“Astronomy Domine”, “Interstellar Overdrive”), ispirato da Barrett uso LSD liberale: un giardino inglese di Cambridge trasportato su Marte.

Il chitarrista David Gilmour si unì al gruppo come assicurazione contro la volatilità di Barrett nel ’68, ma quando Barrett fu costretto ad uscire per inaffidabilità la sua “banda di sicurezza” divenne un quartetto democratico che condivideva funzioni di scrittura, canto e direzione. Mentre Floyd si dirigeva più a fondo nelle sperimentali esplorazioni sinfoniche nel freddo sonico dello spazio – il più lontano possibile dalle origini del rock ‘n’ roll in ormoni adolescenti americani amplificati – i più popolari diventavano.

“Meddle”, pubblicato nel 1971, è stato l’album di transizione della band dagli anni ’60 influenzati da Barrett ai Waters-Gilmour Floyd degli anni ’70, evidenziato da un pilastro della grandezza dello space rock “Echoes”, in 23 minuti di meandri disinvoltamente creativi, le armoniche armonie di Waters e Gilmour, l’organo gorgogliante di Wright, l’assordante assembramento dall’incomparabile Gilmour, i rumori ultraterreni ei rumori delle balene alla deriva. Qui puoi sentire i semi fertili di “Dark Side of the Moon”.

“Dark Side”, pubblicato nel ’73, è rimasto nella classifica degli album per 743 settimane esagerate, un capolavoro di studio creativo e un’esplorazione unificata del tempo, dell’avidità e dell’esistenza – l’album è ancora un rito irrinunciabile di passaggio. “Wish You Were Here” è uno sguardo eccezionale, ruminante, ambient, a lungo formato alla disintegrazione di Barrett, mescolata con l’acida visione del mondo di Roger Waters, e in particolare, l’industria musicale.

Quella scarsa visione della vita trovava la sua massima espressione in “The Wall”, che usava il suo titolo per rappresentare l’isolamento letterale e metaforico. In elaborate presentazioni teatrali dell’opera, un muro è stato fisicamente costruito durante l’esibizione, il cui collasso alla fine di ogni spettacolo ha ben nettamente presagito il destino del gruppo. Waters è andato da solo nei primi anni ’80 e il gruppo si è riunito periodicamente senza di lui, ma né il gruppo né lui sono mai stati gli stessi dal.

9. Bob Marley e i Wailers

Il più grande cantante, cantautore e figura culturale della storia giamaicana, Bob Marley ha portato al mondo il messaggio giusto e le “vibrazioni positive” della musica reggae, ed è l’unica figura dominante dell’era del rock non proveniente dall’America o dagli Stati Uniti..

Marley nacque nella parrocchia rurale di St. Ann nel 1945 da padre bianco di mezza età e madre nera adolescente, e lasciò la casa per la dura baraccopoli di Kingston, a 14 anni, per perseguire una vita nella musica. Lì divenne amico e formò un trio vocale, con Peter Tosh e Bunny Wailer. Si chiamavano Wailers Wailers, poi abbreviati in Wailers. Lavoravano all’interno degli stili musicali prevalenti dell’epoca, prima con lo slancio vivace e ritmato, poi con la roccia sinuosa più lenta, che poi lasciava il posto al reggae.

The Wailers ha registrato con i leggendari produttori Coxone Dodd e Lee “Scratch” Perry negli anni ’60, registrando grandi canzoni come “Simmer Down”, la versione originale di “One Love”, “Soul Rebel”, “Small Axe” e “Duppy Conqueror” , “Diventando molto popolare in Giamaica. Ma fu quando i Wailers firmarono con Island Records di Chris Blackwell nel 1972 che la loro portata divenne globale.

I primi album dei The Wailers per Island, “Catch a Fire” e “Burnin” (entrambi del ’73), diventarono classici istantanei e introdussero “Stir it Up”, “I Shot the Sheriff” e Tosh “Get Up Stand Up” al mondo. Tosh e Wailer lasciarono entrambi la carriera solitaria e i Wailer divennero il veicolo di espressione di Marley. Fino alla sua tragica morte per cancro a 36 anni nel 1981, Marley ha generato l’inno dopo l’inno e ha portato speranza e orgoglio nel Terzo mondo, oltre a toccare cuori e piedi commoventi in Nord America ed Europa.

La sua collezione di successi che copre gli anni dell’isola, “Legend”, con vendite di oltre 10 milioni di copie solo negli Stati Uniti, è l’album reggae più popolare e duraturo di tutti i tempi. Tra le sue delizie ci sono “No Woman No Cry”, “Three Little Birds”, “One Love”, “Buffalo Soldier”, “Waiting In Vain” e “Jamming”.

10. Sly and the Family Stone

Sly e Family Stone hanno creato una delle musiche più allegre e attente della fine degli anni ’60 e dei primi anni ’70, unendo e trasformando la musica in bianco e nero in un momento di massima speranza e profondo tradimento in America. Il capo Sly Stone personificava entrambi gli estremi, come il più fedele dei credenti e una vittima della propria disillusione.

È stato il secondo LP della band, “Dance To The Music” (’68), che hanno davvero preso fuoco. La canzone del titolo era una perfetta rappresentazione del suono della famiglia dal vivo, un vibrante amalgama di positività, basso fuzz, doo-wop, chitarra rock e corni, raccolti nel contesto di una rivista tradizionale di R & B.

L’estate del ’69 ha visto Sly e la Family Stone salire sulle vette della popolarità e dell’acclamazione della critica sulle ali del loro fenomenale album “Stand !,” che includeva il primo successo della band numero 1, “Everyday People”, una canzone che ha definito gli ideali sociali della band nel modo in cui “Dance” ha definito i suoi pensieri musicali. Il fascino del ritornello della filastrocca abbatte secoli di pregiudizi culturali e ci ricorda la semplice verità che “dobbiamo vivere insieme” o morire separatamente. Nell’album c’era anche l’orgasmo “I Want to Take You Higher”.

Quella stessa estate, Sly e Family Stone hanno fatto irruzione sul palco di Woodstock con le trecce arcobaleno, i lampi di paillettes e l’elettricità e hanno vinto le superstar. Se i partecipanti non erano abbastanza alti, quando Sly gridò “I Want to Take You Higher” alla fine del set della band, molti sentono che il festival – e un’era – hanno raggiunto il loro picco frenetico.

Sfortunatamente, Sly ha preso alla lettera la sua ossessione per “highness” e ha finito per confondere il facile high delle droghe con gli alti più difficili della musica, l’amore e la gioia dell’esistenza. Con la droga aumentarono la paranoia e l’autoassorbimento che furono espressi prima e meglio nel film del 1971 “There’s A Riot Goin ‘On”, in cui la spensieratezza sostituiva lo sperma ma l’incredibile talento di Sly brillava ancora attraverso l’oscurità. Il batterista Errico se ne andò durante la produzione e Sly danneggiò ulteriormente l’atmosfera familiare suonando la maggior parte degli strumenti nell’album stesso, isolato in un bozzolo di cocaina. Ironia della sorte, “Riot” è stato l’unico album n. 1 della “band”. Il sogno e la realtà sono entrambi crollati, ma la musica rimane.

Come? Perché?

Mentre parlo con la voce tonante della verità, questa lista delle “10 migliori band rock” mai“Non è una designazione puramente arbitraria strappata dalle mie regioni inferiori. In primo luogo, i vincitori dovevano essere una band vera e propria, che ha eliminato la maggior parte dei grandi del rock degli anni ’50 come Elvis e Chuck Berry, che erano essenzialmente artisti solisti con band di backup, altre figure imponenti come Bob Dylan, e gruppi vocali. Le band dovevano essere all’interno della più ampia cerchia di musica “rock” e generare la maggior parte o tutto il proprio materiale. Ho preso in considerazione l’influenza musicale e culturale, la popolarità nel tempo (mantenimento della forza) e il fattore “È una vita meravigliosa”: quale danno sarebbe stato fatto se la band fosse stata rimossa dalla storia del rock? – maggiore è il danno, maggiore è la banda. La rimozione di uno qualsiasi dei precedenti 10 renderebbe la storia del rock irriconoscibile.

Eric Olsen è l’editore di Blogcritics.org e un contributore regolare a MSNBC.com.